‘ENFANT MALADE (Niño enfermo)’ ,1887, de Michelena, Arturo (1863­-1898), óleo sobre lienzo, 74 3/4 x 79 pulgadas.

Es la primera vez que podemos disfrutar en Miami de una exposición absolutamente histórica por diversas razones. Históricos son los artistas, del mismo modo que históricas son las obras, e histórico es el marco en el que fueron producidas. La muestra “Una Visión, una Colección, una Mujer”, curada por Axel Stein, jefe del Departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby’s (2011­-2018), contempla siete obras emblemáticas de tres grandes artistas venezolanos del siglo XIX y XX, pertenecientes a una colección privada de Nueva York. Estos son Arturo Michelena (1863­-1898), Armando Reverón (1889-­1954), y Héctor Poleo (1918­-1989).

Los tres artistas son claves para entender el desarrollo histórico y estético de la pintura en Venezuela.

Michelena es considerado el pintor más importante de siglo XIX y esta misma consideración se le otorga a Reverón para el siglo XX, mientras que a Poleo se le tiene como el mayor representante del muralismo realista venezolano. Por si fuera poco, esta muestra tiene también el atributo de histórica porque las dos obras de Michelena pintadas, una en 1886 y la otra en 1887 no han sido vistas hasta hoy por el público. Entre tanto, las dos pinturas de Reverón es la primera vez que se ven en Estados Unidos. Esta muestra tiene como eje central de su discurso a la mujer que, en todas las pinturas,aparece representada de una u otra forma. En diferentes escenarios y épocas, desde distintas actitudes y patrones socioculturales y dentro de un amplio abanico geográfico e histórico.

Esta verdadera pléyade de artistas y obras contempladas en la muestra son el marco de presentación del libro con el mismo título “Una visión, una Colección, una Mujer” (Editorial, El Cardon, 2021, Miami). Un cuidado libro bilingüe español­inglés con ensayos de importantes críticos e investigadores enfocados en la valoración de las obras presentes en esta exposición, pero relacionándola con la historia social y el contexto artístico de su tiempo. Reúne ensayos de Roldán Esteva Grillet (Héctor Poleo, un clásico moderno), Cecilia Fajardo Hill (La mujer en el arte), Luis Pérez Oramas (El arco de las majas), Jorge Rivas Pérez (Comentarios sobre una serie de pinturas de castas de José de Páez, México, 1785), Polly Sartory (París: Centro del arte en el siglo 19) y Axel Stein (Las dos visitas).

Todos los ensayos brindan una particular visión sobre las pinturas de los artistas expandiendo las lecturas de sus obras hacia otros territorios de la historia del arte y, también de la historia social. De forma tal que inspirándose en estas obras de Michelena (Una visita electoral, 1886 y Niño enfermo, 1887), Riverón (La maja criolla 1939, La cueva, 1920) y Poleo (Desnudo (La Carta), 1943, Maternidad 1943, Viudas de la guerra, 1948), se completa una curiosa geografía de las artes visuales con énfasis en tres de los artistas que más han marcado la historia del arte moderno y contemporáneo en Venezuela. El denominador común de estos estos ensayos es que buscan ­y encuentran relaciones poéticas y discursivas, antecedentes estéticos y for­males estableciendo una rica constelación de significaciones, que desbordan y enriquecen las dimensiones espacio temporales, y el contexto histórico en el que fueron creadas cada una de ellas.

“Una Visión, una Colección, una Mujer” es, además de un recorrido sintético por la poética figurativa, un itinerario por los modos de representación de la figura de la mujer en las artes visuales venezolanas de los dos últimos siglos. Porque los tres artistas se inscriben en el lenguaje figurativo, e independientemente de su particularidades temporales y estilísticas, los tres también inciden en la expresión de la libertad (o déficit de ella) y el rol sociocultural del sujeto femenino, vistas según el contexto histórico en que la percepción masculina las ha captado.

Los cuadros de Michelena, por ejemplo, asumen la cotidianeidad como elemento narrativo que inspira a la imagen realista donde, según Stein, “La mujer es el centro alrededor del cual se anima y se entiende la escena”. Pero aquí el lenguaje de la imagen es también naturalista, en la medida en que se adentra hasta lo forense en los detalles, tanto del mundo material, como el de la vida y los cuerpos, expresión de las caras y los gestos.

En Reverón, en cambio, la figuración de La maja criolla (1939) se trasluce más surreal, los contornos se desdibujan y nos adentra en ambientes de sensualidad como buscando una armonía entre hu­ manidad y naturaleza. Poleo, por ejemplo, en Viudas de la guerra (1948), responde más a un imaginario de la modernidad, sumida en las convulsiones sentimentales y de afectos que producen su contradictorio programa de progreso sociocultural.

De todos los textos es fascinante el de Axel Stein (Las dos visitas), porque en él se narra en lenguaje coloquial los periplos, las pesquisas que tuvo que hacer para averiguar el paradero, hasta ahora desconocido de Una visita electoral (1886) y Niño enfermo (1887). Frente a estas obras y el libro nos encontra­ mos con una historia de película cuando, a modo de thriller policíaco, va descubriendo los pasos, las actuaciones necesarias hasta llegar al paradero de estas dos obras. Por ejemplo, Niño enfermo (1887), que asombrará al espectador en la galería por su impecable oficio pictórico, fue la pintura ganadora del Salón Oficial de Artistas Franceses de ese año. Estuvo perdida hasta 2004, mientras que Una visita electoral (1886), enviada al mismo salón estuvo en paradero desconocido hasta 2005. Stein, en su narrativa tiene de perito y, también, de detective, además de historiador en una investigación audaz para encontrar estos cuadros, exhibidos por primera vez al público en Ascaso Gallery, Miami.

Una investigación que arranca en los finales del siglo XIX francés, cuando Michelena vende los cuadros. Se sabe que Niño enfermo está en manos del coleccionista Clicot. Ahora bien, desde ese momento las pistas y los hechos se diversifican. Los caminos se expanden atravesando dimensiones espacio temporales globales, donde aflora además del París de finales del siglo XIX y principios del XX, el Nueva York de la década de 1920, con la familia Astor como propietaria de la pieza. Afloran todas una series de circunstancias y personajes que hacen la historia rocambolesca, dueños de circo y comerciantes, con el trasfondo de medidas tomadas por Estados Unidos durante la II Guerra Mundial para proteger su patrimonio artístico cultural ante los posibles bombardeos de la fuerza aérea (Luftwaffe) de la Alemania Nazi. En un final de infarto, las pistas conducen a la localización del cuadro en el Sur de La Florida, en Sarasota. En una cuenta atrás, el cuadro fue vendido en 1927 por $400. Después de ser (re)descubierto, sale a subasta de Sotheby’s Nueva York en noviembre 16, 2004, por valor de entre $150,000 y $200,000. Finalmente fue vendido por $1,352,000.

Dennys Matos es crítico de arte, curador y editor que vive trabaja entre Miami y Madrid.

“Una visión, una Colección, una Mujer”, Ascaso Gallery, Miami. 1325 NE 1st Ave., Miami, FL 33132. Hasta el 19 de junio.

Original post on STIRpad website | Published on : Mar 23, 2022.

Ascaso Gallery’s latest exhibition features exploration of the artists’ ‘inner child’

The exhibition ‘Cute Tunes for Serious Sapiens’ features the works of four artists connected to each other through the themes of Japanese anime and manga.

‘Cute Tunes for Serious Sapiens’, currently on display at the Miami based Ascaso Gallery, features the works of four artists, namely Javier Martin, Masako Miki, Noritoshi Mitsuuchi and Takeru Amano. Themed on the exploration of their ‘inner child’, the exhibits at the gallery transcend the boundaries denominated to design and creation. “The strength of this show is precisely that—the way it taps into childhood memories of unfettered creativity,” says Barbara Pollack, curator of the exhibition.

Noritoshi Mitsuuchi. In the Sky, 2021. Acrylic on canvas. 91 x 72.7 cm | 35.8 x 28.6 in.

Takeru Amano. Dog, 2022. 200 x 150 cm | 78.7 x 59 in.

All the showcases at the gallery are attempts at escaping the confines that are defined by art education and the hierarchies laid down in the history of art. But instead of completely divorcing themselves from the conventional space, the art installations serve as a bridge, or rather, a fusion of popular and niche, eccentric and accessible. The pieces displayed in the exhibition appear to stand in thematic conjunction to each other, owing to the similar references and inspirations that have influenced their creation. All four artists have produced work that is heavily influenced by the anime and mangas birthed in Japan. While drawing from this common theme accredits their work some semblance of similarity, it is their own interpretation and response to the theme that sets apart each piece showcased in the spaces of the American gallery.

Masako Miki. Abumi-guchi Stirrup (Stirrup mouth furry ghost), 2021. Wool on EPS foam, walnut wood. 36 x 42 x 28 in.

Takeru Amano, a Japanese artist, blends pop culture and classicism using Takashi Murakami’s definitive Superflat style to depict women from western art history, while Noritoshi Mitsuuchi’s works resemble children’s drawings. His creations feature a blend of pop and classic, which induces nostalgia. Masako Miki, on the other hand, creates 3-D objects that employ the folklore creatures of Shintoism that ascribe to the acceptance of non-binary and transitory beings in today’s day and age. Multidisciplinary Spanish artist, Javier Martin, also explores similar themes with his ‘Blindness’ portraits that combine paint, printmaking and neon. The flashy aesthetic of his pieces are metaphors of the delusion that infests mass culture.

The exhibition comprises a combination of paintings and 3-D installations

Installation view of the exhibition

Together, the installations of the four artists fill the spaces of the gallery with a potpourri of colours that, at first glance, serve as reminders of kindergarten classrooms and playgrounds. However, on closer inspection, the deeper symbolism and inspirations behind the pieces can clearly be seen. They bring to notice the narcissism that plagues society, while also highlighting how individuality and idiosyncrasy is shrinking from artistic spaces. In doing so, they stand tall with their originality and eccentricity against a contemporary world.

The exhibition ‘Cute Tunes for Serious Sapiens’ will remain on display from February 24, 2022 to April 28, 2022 at the Ascaso Gallery in Miami, Florida, USA.

Cuando entramos a la sala, el espectador tiene la sensación de estar en un museo de arqueología, o en una especie de gabinete etnológico, colocado frente a un apoteósico viaje por el mundo de la imagen artística moderna y contemporánea latinoamericana de los últimos setenta años del siglo XX. Es una percepción marcada por el modo en que se ha diseñado el montaje de la muestra, realizado por Alejandro Stein en formas de islas esparcidas por el amplio espacio de la galería. “Islas” que rompen y, a la vez, ensanchan las perspectivas espacios temporales con las que normalmente se ha interpretado la obra de Narváez. Ya que, además de conectar estrechamente diferentes formas artísticas (pintura, escultura, estuco, etc.), relaciona también épocas y períodos distintos.

Es así como se pueden ver concomitantes, unas a lado de otras, pinturas de poética figurativa producidas en la década de 1930 como, por ejemplo Bahía Pampatar (1930), con esculturas de visualidad abstractas correspondientes a los años 1950. Del mismo modo que en otras de estas “islas” cohabitan un estuco (yeso, fibra de agave y cuerda) y Vendedoras de pescado (1962), donde el artista continua explorando el lenguaje de la (neo) figuración, compartiendo espacio con un grupo escultórico de los años 1950, en clave de arte abstracto informalista instaladas a la lado de otra, como por ejemploVolumen (1974) en clave abstracta geométrica.

El recorrido por estas “islas” sumerge al espectador en una constelación en la que se dan cita dos imaginarios. Por un lado, aquel expresado en un lenguaje narrativo realista, con sintaxis poética figurativa. Por otro, un lenguaje más simbólico, que discurre entre los cauces de la abstracción informalista y la abstracción geométrica. Lo narrativo realista marca a esas obra producidas, sobre todo en pintura, desde finales de los años 1920 hasta las década de 1960 aproximadamente. Mientras que la de expresión más simbólica arranca, con énfasis en la escultura, a principio de los años 1950 y se va acentuando hasta los inicios de la década de 1980.

Estos dos imaginarios de Narváez parecen responder a dos enfoques sobre el proyecto de modernidad venezolano y, por extensión, latinoamericano. Uno que discurre en las primeras 4 décadas del siglo XX donde, a través de la representación figurativa, imagina el carácter de lo autóctono nacional con paisajes rurales y escenas de la vida cotidiana (Mujeres en la playa, Vendedoras de pescado, La escuela, Eva o Escena de recolección), deslizando elementos etno raciales y socioculturales del país.

El otro, referido a la segunda mitad del siglo, en el que por medio de la interpretación en clave de lenguaje más abstracto (Paisaje urbano, la serie Volumen, entre otras), reflexiona sobre la explosión urbanística de la ciudades bajo el impacto de economía capitalista. Pero también apunta a la nueva relación entre el ciudadano y el estado. Colocando a la libertad individual y expresión una subjetividad irreprimible, como elemento constitutivo del desarrollo presente y futuro del proyecto de modernidad.

Dennys Matos es crítico de arte y curador que vive y trabaja en Miami y Madrid.

Desde ese año se multiplican las exposiciones, comisiones, viajes y premios. Recibe el premio Presidente de la Republica de Venezuela, el premio Nacional de Escultura del I Salón Oficial de Arte Venezolano, el premio John Boulton del III Salón Anual de Arte Venezolano; ejecuta para la Academia Militar un relieve monumental titulado La Patria.

En 1945 realiza, por encargo del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, dos grupos escultóricos que llevan por nombre Las toninas, ambas ubicadas en la Plaza O’Leary. Allí, como él mismo afirma, incorpora ciertas pautas barrocas a las figuras a la propia fuente: “Es un trabajo de equilibrio entre las exigencias decorativas y la escultura de planos y ángulos”(5).

En 1948 recibe el Premio Nacional de Pintura. También en ese año es llamado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva para participar en el proyecto de integración de las artes en la Universidad Central de Venezuela. La producción pública de Francisco Narváez continúa con obras como la estatua de Fermín Toro, La educación, La ciencia, tres murales (ejecutados por María Luisa Tovar) para el Instituto de Medicina Experimental, El Cristo, El atleta, la estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta.

En 1953 es designado Director de la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas y en julio de ese año expone, en el Museo de Bellas Artes, la muestra “Francisco Narváez, Maderas, Piedras y Bronces”.

Narváez es, sin lugar a duda, uno de los grandes escultores venezolanos, su obra pasa por diversas etapas e intereses; a medida que el mundo del arte evoluciona, el artista no se queda en sus primeras búsquedas. Sus propuestas no son impuestas por las tendencias o la moda preponderantes, pero evoluciona experimentando con nuevos materiales e intereses.

Cuando uno lee la larga lista de exposiciones, comisiones y reconocimientos del artista, hay que recordar al Narváez que comenzó su trayectoria siendo un niño, y que, superando obstáculos, supo sacarles el mayor provecho a sus inquietudes. No se acomodó a vivir de sus éxitos, no se quedó estancado como hicieron muchos creadores de su entorno. Narváez supo leer a su alrededor los cambios en la historia del arte. No debemos olvidar que Francisco Narváez es artista en medio de todos los cambios que se dan en el arte. Pasa de los clásicos a las grandes transformaciones en el mundo del arte. Es la Europa de Picasso, Braque, Arp. Observa, está al tanto de lo que sucede en los centros del arte mundial, pero entre su oficio y su sensibilidad, el resultado es NARVÁEZ, su sello y su persona.

Francisco Narváez en Margarita y la escultura Barutaima. Fotos: Alfredo Boulton.

Francisco Narváez viene de la tradición y su primera etapa está ligada a lo clásico, a la búsqueda de las raíces, pero siempre con un lenguaje propio. A lo largo de su fructífera trayectoria supo ser él mismo, sin obviar influencias del mundo que lo rodeaba o de sus intereses artísticos: su destreza en el oficio de escultor, su selección de los materiales ya sea la madera, la piedra o el bronce; su escogencia de la temática de su obra… Su dominio y su gran oficio son siempre una constante que a lo largo del tiempo lo convierten en una figura primordial en la historia del arte contemporáneo venezolano y del mundo.

Desde sus comienzos, ningún medio le fue ajeno. Sus pinturas, dibujos, acuarelas y bocetos son un reflejo de su prolífica producción. Sus temas incluyen los retratos, nuestras tradiciones, las naturalezas muertas y los paisajes. Narváez es un creador que representa su época. Posteriormente evoluciona hacia formas más puras y simples abandonando, por breves períodos, la figuración.

Francisco Narváez. Crisantemos 1960-1970 y Cuarentonas, 1960

En 1956 declara al periódico El Nacional: “Cada día me estoy librando, es un alma que se libera de los envoltorios tan efímeros de lo circunstancial siempre más del peso obligado de la anécdota. Esta segunda etapa mía está muy cerca al abstraccionismo, aun cuando todavía haya figuras o figuraciones en las esculturas que en breve expondré. Pero abstraccionismo puro y absoluto, tratará la forma en sí como única razón de su existencia en el plano de superación artística”(6).

La superación artística fue su vida profesional. Cada período de su vida como artista él va más allá, buscando, solucionando, viendo mucho y comprendiendo cómo las diversas expresiones iban transformándose. Sus manos seguían su mirada y su mente, siempre acuciosa. A los volúmenes, les añade el movimiento.

“Francisco Narváez es un camino: el camino que ha recorrido la escultura venezolana en los últimos treinta años. Entre el llamado de la tierra, los obstáculos de las circunstancias y las solicitaciones de lo universal, ha cambiado su esfuerzo creador dándonos una obra que, ni en su abundancia, ni en su intensidad, ni en su significación tiene antecedentes en nuestra escultura”(7).

Y ya que no hubo campo al que Francisco Narváez no accediera, una de las facetas que más lo llena es su labor como docente, y ese esfuerzo se ve colmado con su designación como director de la Escuela de Arte. De Los estucos, expuestos por primera vez en la Sala Mendoza en 1962, dice haber logrado la unión entre la pintura y la escultura… La dimensión que le faltaba a la pintura. Los estucos también estarán presentes en esta exposición, donde nuevamente nos parecerán más vigentes que nunca.

Sus temas pasan por un nuevo realismo social, escenas religiosas, domésticas, hechos históricos. Sus trazos son cada vez más puros, armoniosos. El uso de materiales como la madera y la piedra se transforman en narraciones para deleite del espectador.

De sus obras en espacios públicos, el propio artista señala que en la reurbanización de El Silencio, “por exigencias del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, incorporé ciertas pautas barrocas a las figuras y a la propia fuente, cargando la línea para relacionarla con la unidad de ambiente. Es un trabajo de equilibrio entre las exigencias decorativas y la escultura de planos y ángulos” (8).

Pasan los años, los reconocimientos, las exposiciones, y Narváez no cesa de asombrarnos. Los elementos se transforman. A veces figurativos, otras abstractos o geométricos. En cada obra están sus raíces venezolanas, la raíz que lo une a su tierra, pero también encontramos sus búsquedas, nuevas visiones y su conocimiento de lo que está ocurriendo en el mundo.

En otras palabras, el artista está anclado a Venezuela, pero su mirada es global. En 1966, en El Nacional, declara: “No es arte abstracto, porque creo que ese estilo pasó de moda. Mi obra es sugerente, pues no se queda en los detalles, sino que estiliza la composición (…). El artista no puede encerrarse en el conformismo. (…) Debe seguir estudiando y vivir en permanente búsqueda (…). Vale la pena hacer notar que, en Venezuela, como no ocurre en ninguna parte del mundo, las esculturas son maltratadas sin tomar en cuenta que cada una de esas obras forma parte del patrimonio cultural de la Nación (…), falta formación y principios que obligan a cualquiera, que no pertenecen a un hombre sino a toda la sociedad” (9).

1976 es un año crucial; recibe la Orden Francisco de Miranda en su primera clase. En mayo expone en la Galería Arte Contacto (Caracas, Venezuela) veinticuatro piezas bajo el título “Narváez Bronces Bruñidos”, en junio en la Exposición de Pintura de los Países signatarios del Convenio Andrés Bello y Panamá, organizado por el Ministerio de Educación en la Casa de Bello; en julio en la Galería Ángel Boscán de la Dirección de Cultura de la Universidad Central de Venezuela; en Septiembre en la Galería Marlborough de New York, Estados Unidos, con dieciséis vaciados en bronces de su última etapa. Esta muestra estuvo patrocinada por la Galería Arte Contacto y viaja posteriormente a Madrid a la Galería Sen (junio, 1978). En ese mismo año participa en el Segundo Encuentro de Artistas Contemporáneos en Galeries Nationales Gran Palais, París.

En Noviembre, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas lleva a cabo la muestra más ambiciosa del artista. Conformada por 141 piezas, la misma tiene un carácter retrospectivo e incluye todas sus etapas.

En 1979 se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez en Porlamar, estado Nueva Esparta, Venezuela. El Artista dona cincuenta y nueve piezas que serán expuestas de manera permanente en la institución.

Sabio conocedor de los medios y hombre de gran oficio, Narváez nunca se limitó en sus expresiones ni búsquedas. Su versatilidad lo convierte en uno de los más grandes escultores venezolanos de todos los tiempos. Su soltura y su seguridad, tras una prolífica y creativa vida, nos permite admirarlo todavía más en la distancia.

Uno de los aspectos más importantes que podemos ver en esta gran retrospectiva que nos ofrece la Galería Ascaso en su nueva sede en Miami, es cómo Francisco Narváez desarrolla su producción con cada uno de los materiales que le son comunes: piedra, madera, bronce, y en cada uno de los medios que escogió para expresarse: pintura, escultura, dibujo. Como exhibición, no solo es una oportunidad única para disfrutar de toda su producción artística, sino un recorrido didáctico de uno de los grandes maestros de Venezuela, que tuvo la dicha de crear prácticamente durante toda su existencia.

Vistas de sala en Ascaso Gallery en Miami, Florida. Fotos @rafaelguillen

Cabe destacar, que en el estado de la Florida, en San Agustine, podemos apreciar una obra de su autoría, el busto de José María Vargas que se encuentra en Los Jardines de la Escuela de Madera más antigua de los Estados Unidos, en la calle Saint George, específicamente en The Grove of Educators of the Americas y fue donada por el Gobierno de Venezuela en 1948.

Francisco Narváez falleció el 7 de julio de 1982 dejando un legado que se ha mantenido vivo en el alma de su país y del mundo. Esta exposición y publicación en la Galería Ascaso nos permite no sólo disfrutar nuevamente de un creador que demostró su gran oficio y una mirada al mundo que lo rodeaba partiendo de unas raíces firmes y ancladas en su tierra de origen

CITAS

1. Rafael Pineda, “Escultura y Pintura de Francisco Narváez”, pág. 10, Instituto Nacional de Cultura y Bellas artes (INCIBA), Caracas, Venezuela, 1968 Arte no. 5, Tipografía Remar.
2. Entrevista a Narváez, Lydia Pía Flamini de Tomasini, Caracas, Venezuela
3. Entrevista a Narváez, María Cecilia Valera, Caracas, Venezuela.
4. Arturo Uslar Pietri, catalogo exposición “Trayectoria de Francisco Narváez”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, exposición 19, catalogo 19, noviembre 1976, impreso por gráficas Armitano, C.A., Caracas, Venezuela.
5. Rafael Pineda, “Escultura y Pintura de Francisco Narváez”, pág.. 50, Instituto Nacional de Cultura y Bellas artes (INCIBA), Caracas, Venezuela, 1968 Arte no. 5, Tipografía Remar.
6. Francisco Narváez, entrevista “El Nacional’, Caracas, Venezuela, 1956.
7. Arturo Uslar Pietri, catalogo “Formas Nuevas”, Sala de exposiciones Fundación Eugenio Mendoza, Caracas, Venezuela, 1956.
8. Rafael Pineda, “Escultura y Pintura de Francisco Narváez”, pág.. 50, Instituto Nacional de Cultura y Bellas artes (INCIBA), Caracas, Venezuela, 1968 Arte no. 5, Tipografía Remar.
9. Francisco Narváez, entrevista “El Nacional”, Caracas, Venezuela, 1966.