Vida & Obra

Vasarely nació en Pécs y creció en Piešt’any (entonces llamado Pöstyen) y Budapest. En 1925 comienza a estudiar medicina en la Universidad de Budapest. En 1927 abandona la medicina para aprender la pintura académica tradicional en la academia privada Podolini-Volkmann. En 1928-1929 se registra en Muhely de Sandor Bortnyik (literalmente, taller, que existió hasta 1938), a continuación, fue un reconocido influenciador en el centro de estudios en la Bauhaus de Budapest. Debido a la escasez de fondos, el taller no fue capaz de ofrecer todos los cursos impartidos por la Bauhaus. Por esta razón, se centró en las artes gráficas aplicadas y diseño tipográfico.

En 1929, Vasarely pinta su Estudio Azul y Verde de Estudio. En 1930 se casa con su compañera Claire Spinner (1908-1990). Tienen dos hijos, André y Jean-Pierre. En Budapest  trabaja en una compañía de rodamiento de bolas como contador y diseñador de carteles publicitarios.

Victor Vasarely se convierte en un diseñador gráfico y artista de carteles durante la década de 1930, la combinación de patrones orgánicos e imágenes. Se lleva a cabo obras de arte al aire libre en la iglesia de Palos en Pécs.

Él deja Hungría y se traslada a París en 1930, trabajando como artista gráfico y consultor creativo en las agencias de publicidad Havas, Draeger y Devambez (1930-1935). Interactúa limitadamente  con otros artistas en este momento. Juega con la idea de abrir una institución inspirada en Muhely de Sandor Bortnyik y desarrolla material didáctico para este proyecto.

Después de haber vivido la mayor parte de su vida en habitaciones de hotel barato, en 1942-1944 se establece en Saint-Cere, en el departamento de Lot. Una vez que la Segunda Guerra Mundial ha terminado, él abre un taller en Arcueil, un suburbio situado a unos 10 kilómetros de distancia del centro de París (en el departamento de Val-de-Marne en la región de Isla de Francia). En 1961, finalmente, se establece en Annet-sur-Marne (en el departamento de Seine-et-Marne). Durante las tres décadas siguientes, Vasarely desarrolla su estilo abstracto-geométrico del arte, se trabaja con una variedad de materiales, pero utilizando un mínimo de formas y colores.

1929-1944: Los primeros trabajos gráficos.

Experimenta con textura, perspectiva, sombras y efectos de luz. El primer resultado de este período gráfico son las piezas conocidas como las cebras (1937), Tablero de ajedrez (1935) y la chica-poder (1934).

1944-1947: Les Fausses Vías-en el camino equivocado.

Durante este período, Vasarely experimentó con cubista, futurista, expresionista, simbolista y pinturas surrealistas sin desarrollar un estilo único. Más tarde, él dijo que estaba en el camino equivocado. Expuso sus obras en las galerías de Denise René (1946) y René Breteau (1947). En la introducción de los catálogos, Jacques Prévert coloca Vasarely entre los surrealistas. Prévert crea las imaginoires plazo (imágenes + noir, negro) para describir las pinturas. Autorretrato (1941) y el ciego (1946) están asociados con este período.

1947-1951: El desarrollo del arte abstracto geométrico (arte óptico).

Por último, Vasarely encontró su propio estilo. Los acontecimientos superpuestos llevan el nombre de su ubicación geográfica. Denfert se refiere a las obras influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la París Denfert – Rochereau estación de metro. Guijarros elipsoidales y conchas encontradas durante unas vacaciones en 1947 en la costa bretona en la belleza lo inspiraron a los trabajos Belles-Isles. Desde 1948, Vasarely generalmente pasaba los meses de verano en Gordes en Provenza-Alpes-Costa Azul. Allí, las casas cúbicas lo llevaron a la composición del grupo de obras marcado Gordes / Cristal. Trabajó en el problema de los espacios vacíos y llenos en una superficie plana, así como la visión estereoscópica.

1951-1955: imágenes cinéticas, fotografías negro-blanco.

Desde su serie Gordes desarrolló sus imágenes cinemáticas, superponen hojas de vidrio acrílico dando como resultado una creación dinámica, impresiones en función del punto de vista en movimiento. En el período de blanco-negro que combina los marcos en un solo panel mediante la transposición de fotografías en dos colores. Homenaje a Malevitch, un cuadro de la pared de cerámica de 100 m² que adornan la Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela, la cual es co-diseñado en 1954 con el arquitecto Carlos Raúl Villanueva, es una obra importante de este período. El arte cinético floreció y obras de Vasarely, Calder, Duchamp, Man Ray, Soto, Tinguely se expuso en la galería Denise René bajo el título Le Mouvement. Vasarely publicó su Manifiesto amarillo. A partir de la investigación de los pioneros del constructivismo y la Bauhaus, postuló que la cinética visuales (explosivo plástico Cinetique) se basó en la percepción del espectador que se considera el único creador, jugando con las ilusiones ópticas.

1955-1965: planétaire Folclore, permutaciones y el arte serie.

El 2 de marzo de 1959, Vasarely patentó su método de Plastiques. Permutaciones de las formas geométricas se cortan de un cuadrado de color y se han reorganizado. Se trabajó con una paleta estrictamente definido de colores y formas (tres rojos, tres verdes, tres azules, dos violetas, dos amarillos, negro, blanco, gris, tres círculos, dos plazas, dos romboides, dos rectángulos largos, un triángulo, dos diseccionados círculos, seis elipses) que más tarde serian  ampliadas y numeradas. Fuera de este alfabeto plástico, que comenzó el arte de serie, permutaciones sin fin de formas y colores elaborados por sus ayudantes. (El proceso creativo se produce mediante herramientas estandarizadas y actores impersonales con el fin de cuestionar la singularidad de la obra de arte.) En 1963, Vasarely presentó su paleta al público bajo el nombre de Folklore planétaire.

1965: Hommage à l’Hexagone, Vega.

El homenaje a la serie hexagonal consta de un sinfín de transformaciones de muescas y el alivio con variaciones de color, creando un móvil perpetuo de la ilusión óptica. En 1965 Vasarely fue incluido en la exposición El Responsive Eye en el Museo de Arte Moderno, creado bajo la dirección de William C. Seitz. Su serie Vega juega con rejillas esféricas, creando una ilusión óptica de volumen. En octubre de 1967, el diseñador Will Burtin invitó Vasarely para hacer una presentación en la conferencia Visión ’67 de Burtin, celebrado en la Universidad de Nueva York.

El 5 de junio de 1970, Vasarely abrió su primer museo dedicado con más de 500 obras en un palacio renacentista en Gordes (cerrado en 1996). Una segunda tarea importante fue la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence, un museo ubicado en una estructura distinta especialmente diseñado por Vasarely. Fue inaugurado en 1976 por el presidente francés Georges Pompidou. Por desgracia, el museo se encuentra ahora en un estado de deterioro, varias de las piezas expuestas han sido dañados por el agua goteando desde el techo. Además, en 1976 se instaló la gran cinemática Georges Pompidou, en el Centro Pompidou de París y el Museo Vasarely situado en su lugar de nacimiento en Pécs, Hungría, fue establecido con una gran donación de obras de Vasarely. En la misma década, participo en el diseño industrial con 500 piezas de ejecución para la vajilla de lujo de Timo Suomi Sarpaneva que Vasarely decorado para los fabricantes de porcelana alemana Rosenthal Studio Linie. En 1982, se crearon 154 serigrafías realizadas especialmente para ser llevadas al espacio por el astronauta Jean-Loup Chrétien a bordo de la nave espacial soviética Salyut Francés-7 y posteriormente vendidos en beneficio de la UNESCO. En 1987, el segundo museo Vasarely húngaro se estableció en Palacio Zichy en Budapest con más de 400 obras.

Murió 90 años en París, el 15 de marzo de 1997.

Op Art (Arte óptico)

Vasarely está considerado el padre del Op Art. Durante los años 1960 y 1970, sus imágenes ópticas se convirtieron en parte de la cultura popular. Su lema era «El arte para todo el mundo.» Era, además, un teórico congruente, que prefirió ser llamado un artesano más que un artista. Después de sus propias teorías, creía en la desaparición de la obra única, singular, y se puso de cara al futuro «democrático» de «múltiple» o industrial repetición serigráfica del mismo modelo.

Sus experimentos cinéticos, que transformaron la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes de la llegada de los ordenadores, definen una nueva era en la historia del arte. Para él, el movimiento estaba relacionado con la ilusión de espacio. De la unión de estos dos elementos surge la obra plástica.

El rombo eterno: Vasarely y el diseño del logo de Renault

Victor Vasarely fue un artista que marca tendencias en el siglo 20. Sus propuestas geométricas y ópticas de los juegos de colores, tonos y formas que convierten la pintura en una entidad viviente  profundamente relacionado  tanto con el constructivismo ruso y Gabo o el arte móvil de Calder, así como creaciones fascinantes y enormemente populares de Escher. Su propuesta artística es quizás uno más de los «puntos muertos» dejadas por el siglo 20, pero su potencial plástico ha prosperado en el mundo del diseño, convirtiéndolo en un patrón estético masivo y amplio. Su obra es un magnífico ejemplo de la popularización del arte abstracto.

En 1972, Renault necesita un cambio en su imagen corporativa. Su logotipo, que desde 1925 incorpora una forma romboidal o en forma de diamante, se considera obsoleta. Vasarely fue un artista de renombre en el momento, y la junta directiva de Renault pensó en una atrevida propuesta: Dejar el diseño del logotipo en las manos de un artista abstracto era en sí misma una forma directa para enviar un mensaje de innovación y modernidad. Vasarely se acercó con un logotipo en negrita, un verdadero avance, en el que el nombre de la empresa desapareció por completo, siendo reemplazado por un rombo que es en realidad una banda de Moebius *. Una forma elegante y modernista para simbolizar el infinito en el que la estética y la vibración del Op-Art jugaron un papel principal. Vasarely dejó un legado humilde pero valioso para la empresa francesa: un símbolo tanto de la modernidad y de la eternidad.

* Una cinta de Moebius o banda es una superficie con una sola cara y un límite o borde o componente de contorno. Se crea mediante la adopción de una tira de papel y unión de los extremos que dan un giro medio a uno de ellos. Posee las siguientes propiedades:

1.  que tiene una sola cara. Si uno colorea la superficie de una banda de Moebius, comenzando con la «aparentemente» cara exterior, al final toda la tira termina de color. Por lo tanto, tiene una sola cara, y que no tiene sentido hablar de una cara interior y exterior.
2. Tiene un solo filo. Esto se puede probar siguiendo el borde con un dedo, alcanzando al final el punto de salida después de estar al otro lado «ambos bordes.»
3. Se trata de una superficie no orientada. La persona se desliza a través de una cinta de Moebius, mirando a su derecha, cuando termina aparecería toda la vuelta mirando a su izquierda. Si se parte de un par de ejes perpendiculares orientados, y se mueve en paralelo a lo largo de la tira, uno va a llegar al punto de partida con una orientación invertida. Otras propiedades: si uno corta una cinta de Moebius longitudinalmente, a diferencia de una tira normal, uno no va a obtener dos tiras, sino una tira más larga pero con dos giros. Si esta tira se corta a lo largo de nuevo, uno tiene otras dos bandas, pero entrelazado y con giros. Como uno corta cada una a lo largo, se obtendrán más tiras entrelazadas.

Vasarely Planetary Folklore Participaciones Nº 1

Estamos en una era de participación y los nuevos avances de la obra. Inspirado por esta concepción revolucionaria, Vasarely, reconocido artista cinético, padre del Op-Art y el «múltiple», reunido en esta numerada y firmada imagen en serie los elementos dinámicos de su invención y la unidad de plástico. Por primera vez, una fusión de la intuición sensible y técnicas científicas actuales puede llegar a ser una realidad ante nuestros ojos