Julio Larraz, Young Girl Contemplating The Arrival of Solstice, 2025. Oil on Canvas, 60 x 72 in.
Julio Larraz, a key figure in Latin American contemporary art, returns to the Magic City with a proposal that transcends generations. Reciprocity, opening at Ascaso Gallery, is more than an exhibition—it is a living homage to dialogue, continuity, and creative freedom.
In this gallery located in Downtown Miami’s art district, the master’s works are displayed alongside those of eleven emerging artists who, inspired by his vision and generosity, bear witness to the profound mark Larraz has left on their lives—including members of his own family.
“The idea of Reciprocity was born from a deep desire to build a bridge between generations,” said Julio Larraz. “Throughout my life, I’ve received so much from those who came before me, and it felt right and necessary to create a space where young artists—those I share affection and dialogue with—could exhibit their work alongside mine. Seeing them here is an act of celebration and continuity.”
Participating artists include Maia Larraz, Leticia Sánchez Toledo, Reyner Llanes, Cooper Dragonette, Julio Figueroa Beltrán, Haidy Love Larraz, Reynier Ferrer, Edel Lugones, Yojacne Téllez, Nelson Jalil, and Jefreid Lotti—all connected in some way to Larraz’s creative universe.
An Act of Giving and Receiving
The exhibition’s title refers to the vital dynamic that has shaped Larraz’s personal and artistic life. “I’ve received inspiration, teaching, and example from many masters. Over time, I understood that my duty was to give something back—generosity, advice, companionship. Everything I’ve given has always returned multiplied.”
Art as a Family Language
The exhibition takes on a personal tone by including his daughter Maia and daughter-in-law Haidy. “Sharing this space with my family means seeing how art has become a common language between us.”
Freedom as a Vital Axis
Larraz defends artistic freedom as an essential principle. “In this exhibition, each artist has full freedom to show their world without constraints. For me, freedom is the very essence of art—only from freedom can something true be created.”
“Creative freedom is non-negotiable; without it, art becomes propaganda or empty merchandise. Defending it means defending the dignity of the artist.”
A Defining Moment
With over six decades of career behind him, Larraz views the current moment of Latin American art in Miami with enthusiasm. “The city has become a vibrant platform for our artists. I believe we’re living a time of great visibility and expansion.”
“I’ve never sought tributes. What I’ve done, I’ve done out of conviction, not for recognition. But seeing others interpret that gesture as generosity and celebrate it fills me with gratitude.”
“What I hope people take away is simple and profound: that art is not a monologue, but a conversation between generations, times, and sensibilities. And above all, that they leave with a sense of shared freedom.”
Exhibition Details
What: “Reciprocity” – A collective exhibition honoring Julio Larraz
Where: Ascaso Gallery, 1325 NE 1st Ave., Miami
When: September 19 – November 8, 2025
Opening Reception: Saturday, September 19, 6–10 p.m.
Julio Larraz, The Blind Storyteller, 2023. Oil on Canvas. 51 x 39.25 in. | 130 x 100 cm
Artist Julio Larraz envisioned an exhibition where his work would be shown alongside emerging artists. “Throughout my life, I’ve received so much from those who came before me, and it seemed right and necessary to open a space where young artists, with whom I share affection and dialogue, could show their works alongside mine. Seeing them today in this exhibition is an act of celebration and continuity,” said Larraz.
Presented by Ascaso Gallery in collaboration with the Julio Larraz Foundation, Reciprocity unites Larraz’s work with pieces by eleven contemporary artists personally influenced by him: Cooper Dragonette, Reyner Ferrer, Julio Figueroa Beltrán, Nelson Jalil, Maia Larraz, Reynier Llanes, Jefreid Lotti, Heidi Love Larraz, Edel Lugones, Leticia Sánchez Toledo, and Jojacne Tellez.
The exhibition opens Saturday, Sept. 19 from 6 to 10 p.m. and runs through Nov. 8 at Ascaso Gallery in Miami. For the gallery, Reciprocity closes an important circle between master and disciples, nourishing the city’s cultural heritage.
Julio Larraz, Institute for Advance Marine Studies Casa Bianca, 2025. Oil on Canvas. 72 x 60 in. | 183 x 152 cm
Among the guest artists are Larraz’s daughter Maia and daughter-in-law Heidi. Heidi recalls visiting Larraz’s home in 1993, surrounded by luminous paintings: “Living among his works over the years, I often found myself studying the shifting tones and subtle layers, absorbing lessons from his brush without a word spoken.” Later, in his studio, she experienced another dimension: “His critiques, spare yet incisive, stayed with me long after, urging me to look harder and paint with greater honesty.”
Maia Larraz, E Pur Si Muove, 2025. Oil on Canvas. 60 x 48 in. | 152 x 122 cm
Maia reflects: “Art is not a performance but a daily practice, a devotion. Julio dismantled the myth of the tortured, inconsistent artist and instead revealed the power of moving quickly, trusting your vision, and capturing it before it fades.”
Larraz emphasizes discipline, intellectual honesty, and independence. “Art shouldn’t be subject to trends or external dictates; the artist must be true to his or her inner voice.” He also values the creative freedom of each artist: “In Reciprocity, each artist has complete freedom to show their world, without constraints. For me, freedom is the very essence of art, because only from freedom can something true be created.”
In today’s cultural climate, Larraz sees defending creative freedom as defending the dignity of the artist. “It means standing firm, even if it’s not always easy. Without creative freedom, art becomes propaganda or empty merchandise.”
Exhibition Details
What: Ascaso Gallery and The Julio Larraz Foundation Present “Reciprocity”
Heidi Love Larraz, Winter 2025. Oil on Canvas. 60 x 72 in.
By Vivian Fulop
MIAMI, FLA.—When Ascaso Gallery opens Reciprocity this fall, visitors will enter more than a group exhibition. They will encounter a conversation across generations, a dialogue between Julio Larraz—one of Latin America’s most imaginative painters—and eleven artists whose practices he has shaped through guidance, example, or inspiration.
“The idea for Reciprocity was born from a deep desire to bridge the gap between generations,” Larraz reflects. “Throughout my life, I’ve received so much from those who came before me, and it seemed right and necessary to open a space where young artists, with whom I share affection and dialogue, could show their works alongside mine.”
Maia Larraz, Are You Happy Now, 2025. Oil on Canvas. 60 x 48 in.
For many of the participating artists, Larraz’s influence is inseparable from their growth. His daughter Maia recalls, “Julio dismantled the myth of the tortured, inconsistent artist and revealed the power of moving quickly, trusting your vision, and capturing it before it fades.” Her sister-in-law, Heidy Love Larraz, describes years of living among his works: “I absorbed lessons from his brush without a word spoken. Later, his incisive critiques urged me to paint with greater honesty.”
Reynier Ferrer, Ascending Bird, 2022. Oil on Canvas. 70 x 71 in.
Reyner Ferrer says, “Meeting him, sharing ideas, and witnessing the raw energy he brings to his work sparked deep mental connections and a fresh wave of inspiration.” Reinier Llanes recalls meeting him in 2015: “Julio is not only a friend but also my mentor and my role model.”
Nelson Jalil, The Missing Pages #2. Oil on Canvas. 65 x 100 in.
Nelson Halil remembers: “I vividly recall one afternoon spent at his swimming pool, photographing sheets of paper floating on the water to use as a reference for a painting. Watching the hand of a master at work shaped not only my methods but my understanding of discipline and freedom in art.” Edel Lugones calls meeting Larraz “a deeply enriching experience” and emphasizes the artist’s “rare generosity of spirit.” Sculptor Jojacne Téllez, who has collaborated with him on monumental bronzes since 2015, describes their work together as “a profound learning experience.”
Leticia Sanchez – 039 Study for Between Blues. Oil on Paper. 18 x 24 in.
Leticia Sánchez Toledo remembers visiting Larraz’s Miami studio in 2010, before her first solo show: “Seeing his work in progress was deeply inspiring, but even more so was meeting the person behind the canvas—generous, sharp, and possessed of a wry humor.”
Julio Figueroa Beltran, Farewell Clouds, 2024. Oil on Canvas. 60 x 80 in.
Julio Figueroa Beltrán, who spent fifteen years in Larraz’s studio, reflects: “A truly powerful image often resides in the balance between ambiguity and precision. Over the years, he has become more than a mentor; he is family.”
For Larraz, seeing his influence reflected in others is moving. “It’s not about them repeating my style, but rather about them finding in my example the confidence to seek their own path. When I see an echo of my ideas in their work, I feel like the seed has germinated in the best way: transforming into something new and authentic.”
Freedom, he insists, is the essence of art. “In Reciprocity, each artist has complete freedom to show their world, without constraints. Freedom is the very essence of art, because only from freedom can something true be created.” This conviction has guided his career through decades of change. “Creative freedom is non-negotiable. Without it, art becomes propaganda or empty merchandise. Defending it is defending the dignity of the artist.”
Artists of Reciprocity
Cooper Dragonette — Inspired by Larraz’s imaginative force; embraced freedom to paint what he feels and imagines.
Reyner Ferrer — Draws on Larraz’s unrestrained creative drive to create from a freer, more honest place.
Julio Figueroa Beltrán — Worked with Larraz for fifteen years; balances ambiguity and precision in poetic imagery.
Nelson Halil — Shared experiments and studio time; learned to unite discipline and freedom in art.
Maia Larraz — Learned that art is daily devotion, not performance, capturing spontaneity in her practice.
Reinier Llanes — Considers Larraz mentor and role model; inspired by his extraordinary command of light and form.
Heidy Love Larraz — Influenced by Larraz’s critiques and poetic approach to form and color.
Edel Lugones — Finds inspiration in Larraz’s generosity of spirit and visual poetry.
Leticia Sánchez Toledo — Inspired by Larraz’s generosity and humor since her 2010 studio visit.
Jefreid Lotti — Apprenticed in his twenties; influenced by Larraz’s mastery of composition and imagination.
Jojacne Téllez — Collaborated on bronzes since 2015; gained profound sculptural perspective.
Julio Larraz celebra la vitalidad de sus 80 años pintando la ‘soledad desconcertante’
Miami (EFE).- El pintor de origen cubano Julio Larraz (La Habana, 1944) llegó a los 80 años con envidiable vitalidad y energía y con la pasión de seguir pintando -dice en una entrevista con EFE- ese mundo de “soledad desconcertante” que nos rodea y que ahora se exhibe en una gran exposición en Miami.
Larraz tiene muy claro cuál es el andamiaje de un pintor como él, alejado de modas y dictados, tras más de medio siglo volcado en los pinceles: “Yo pinto lo que me da la gana”, dice riendo sobre una elección consciente y temprana en su carrera que le acarreó no pocos sinsabores y la exclusión de los círculos artísticos de moda.
Ahora, muestra de su empuje creativo a los 80 años, la galería Ascaso de Miami exhibe a partir del 16 de mayo y hasta el 5 de julio cerca de medio centenar de obras del artista, entre pinturas, esculturas y acuarelas, la mayor parte creadas en los últimos cinco años, bajo el título ’80 Circunnavegaciones del Sol”.
Fotografía cedida por María Lucía Venegaz donde aparece el pintor de origen cubano Julio Larraz quien realizará la exposición ’80 Circunnavegaciones del Sol” en la Galería Ascaso de Miami, Florida (Estados Unidos). EFE/ María Lucía Venegaz
La clave: vivir el aquí y el ahora
“No pienso mucho en la edad ni en el tiempo. Lo que importa es la vida del ahora y el momento; ‘el ahora mismo’, que decía el emperador Marco Aurelio. En poco tiempo la gente no sabrá quién eres; no solamente no lo sabe, sino que no le importa tampoco”, precisa con humor estoico.
Trabajador incansable en su taller de Miami, Larraz se nutre para su obra del extenso bagaje de experiencias que acumula su memoria, de libros (sigue siendo un voraz lector), principalmente de historia y biografías, y de la vuelta continua a pintores como el estadounidense Edward Hooper (1882-1967), por el que siente una admiración incondicional.
Pero a diferencia de Hooper, cinéfilo que buscó inspiración en las películas de Hollywood, el cubano se siente distanciado del séptimo arte, en buena parte porque el cine de hoy, lamenta, es un “cine de viñetas, tiroteo y explosiones”, nada que ver con películas como ‘Now Voyager’ (La extraña pareja’), con Bette Davis como protagonista.
Fotografía cedida por Ascaso Gallery donde se aprecia la obra ‘Consumido: la historia de Ícaro’ (2023) del pintor de origen cubano Julio Larraz, que formará parte de la exposición ’80 Circunnavegaciones del Sol”, en Miami, Florida (Estados Unidos). EFE/ Ascaso Gallery
“Hoy en día no tendría éxito esa película. Ninguno, porque la gente hoy no quiere pensar ni contemplar, lo que quiere es que le den la cucharada en la boca”, asegura Larraz, admirado por su exploración metafísica, onírica y filosófica de la condición humana y el subconsciente.
De hecho, el nombre de la exposición se inspira en un óleo sobre lienzo de 2022, ‘Qué buscas’, un interrogante sobre la insaciable curiosidad del ser humano que cristaliza en una nave espacial que se desplaza con el fondo negro del espacio como telón de fondo.
El pintor, que abandonó Cuba con su familia en 1961, a los 16 años, rumbo a Estados Unidos y como asilados, se instaló primero en Miami, para luego mudarse a Washington y Nueva York, donde descubrió su vocación por la pintura, un descubrimiento “salvador”.
La clave: La pintura como despertador del ser humano
Maestro de una pintura de gran técnica y contemplativa, reconoce que se trata de una pintura “completamente fuera de moda” porque “nadie quiere hoy detenerse a contemplar nada”, dice tajante para criticar la “agitación” en la que vive el mundo.
También se siente en deuda con el pintor metafísico italiano Georgio de Chirico (1888-1978), de esa exploración del subconsciente en su pintura, aunque es partidario de “no acercarse mucho, porque se quema uno”.
“Lo importante es sacar la esencia, como hacía Velázquez, y esa soledad intransigente de los surrealistas”, un factor que, dice, influyó en la pintura de Hooper y de Andrew Wyeth (1917-2009), otra de sus referencias de la pintura realista estadounidense.
Fotografía cedida por Ascaso Gallery donde se aprecia la obra ‘¿Qué buscas?’ (2022) del pintor de origen cubano Julio Larraz, que formará parte de la exposición ’80 Circunnavegaciones del Sol”, en Miami, Florida (Estados Unidos). EFE/ Ascaso Gallery
“Esa soledad que es desconcertante y retraída, fuera de las ciudades, y que es muy americana, nadie la pintó como Hooper” y cobra protagonismo absoluto en la obra de Julio Larraz, despojada de alardes, imaginería y artificio.
“Eso es lo que a mí me gusta. Podría haber sido un pintor abstracto, pero me gusta el mundo en que vivimos”.
Se confiesa también amante del impresionismo y, en particular, de la calidad de la pintura de Claude Monet (1840-1926) y de su luz, esa luz que, cuenta Larraz, “robó” en Cuba: “Me la llevé en la maleta cuando me fui de la isla, aquella luz que de niño veía que se filtraba a través de los árboles y se creaba una cosa mágica”.
“Nunca la pude entender pero sí me la pude robar”, sentenció con humor.
Los 80 años de Julio Larraz, un pintor rodeado de sueños
Desde el 16 de mayo se expone en Ascaso Gallery la muestra “80 Circunnavegaciones del Sol”, que celebra ocho décadas del reconocido artista cubanoamericano
El pintor Julio Larraz posa en la entrada de la galería Ascaso, donde expone 80 Circunnavegaciones del Sol.
MIAMI.- Julio Larrazme recibe en Ascaso Gallery como quien saluda a un vecino que llega a su casa, y es que esta galería donde cuelgan sus cuadros se ha convertido en un hogar para él. Aquí celebra ocho décadas de vida con la muestra “80 Circunnavegaciones del Sol”, que se inaugura este 16 de mayo a las 6 pm.
Caminamos por las amplias estancias blancas de la galería, donde resaltan, como asomados desde otro mundo, esos sueños que persiguen al artista y esas narrativas de lo imposible que tan bien logra reflejar, tanto en el lienzo como en la escultura. Esta exhibición, que podrá verse hasta el 5 de julio, ofrece un panorama del legado del pintor y es una oportunidad de lujo para adentrarse en su universo creativo que abarca el grabado, la caricatura, la escultura y la pintura.
Organizar la exposición tomó casi dos años, dice Antonio Ascaso, director de la galería. No es para menos, se reúnen aquí más de 40 obras: óleos sobre tela, acuarelas sobre cartulina y esculturas. Para Antonio “es un verdadero honor, es un maestro del realismo, y un artista que tiene un sitial muy importante dentro de la plástica internacional”. Como indica, la galería lleva 12 años de trabajo con la obra de Larraz. Antonio reconoce además el trabajo de Ariel Larraz en la organización concienzuda de la exposición.
Sueños en el lienzo
Julio me cuenta que algunas de las pinturas que expone son recientes y que otras tienen unos dos años.
“¿Qué te llama más la atención?”, me pregunta. No puedo evitar decirle que la pieza Qué buscas es muy potente y aunque no haya una figura humana dice mucho sobre nosotros, sobre la inquietud, la búsqueda de conocimiento.
“Es una serie que empecé este año sobre los experimentos que se hacen hoy en día en el espacio, que son interesantísimos”, plantea. “Creo que la gente de este mundo quiere expandirse y crear polución en Marte y en la Luna”, dice entre risas. “Me interesa desde el punto de vista visual. Imagino que un extraterrestre se haría esa pregunta, ¿qué buscan ellos aquí?”, añade.
Larraz señala un misterioso barco que parece borrarse, como si el pasado le mordiera la popa. Se trata de la pieza The Inexplicable Disappearance of the M.Y. Lower Matecumbe. Me revela que esa imagen nació de un sueño que le perseguía de alguna manera. “No solamente lo soñé, sino que el sueño me perturbó porque era continuo, de esos sueños que se convierten en pesadillas, y tienes que levantarte y dibujarlo”, confiesa.
La obra The Inexplicable Disappearance of the M.Y. Lower Matecumbe
Tomamos un delicioso café y hablamos de escritores, pintores y sitios históricos. Aprovecho la comodidad de la charla para preguntarle de dónde sale esa energía creadora que le hace pararse frente al lienzo a sus 80 años. “Es una necesidad”, afirma, “es curiosidad, y es poder ver algo que has soñado, imaginado”.
En “80 Circunnavegaciones del Sol” hay espacios abiertos, irreales, figuras humanas, animales; vemos sobrecogedoras marinas, mitos revisitados y, sobre todo, mucho azul en sus múltiples matices y profundidades. Cómo no desvelarse con tantos personajes, y cómo no dejarse llevar por su fino tejido de humor que roza la crítica a veces.
Julio Larraz pinta para ver lo que sueña, y lo hace con esa libertad que, afirma, es la que propicia la creación.
Más sobre Julio Larraz
Julio Larraz (La Habana, 1944) es uno de los pintores contemporáneos más importantes de América Latina. Crea pinturas poderosas y oníricas que reflejan la influencia de pintores desde Velázquez hasta Sargent y Hopper, y artistas surrealistas como Dalí y Magritte.
La educación de Larraz estuvo marcada por la agitación política de su tierra natal. Su padre, un activista político, era propietario y editor de “La Discusión”, un destacado periódico de La Habana, mientras que su madre estudió Derecho antes de asumir la dirección de la publicación familiar. La agitación de la dictadura cubana en 1959 llevó a Larraz y su familia a buscar asilo en Estados Unidos cuando sólo tenía 16 años.
Al llegar a los Estados Unidos, Larraz canalizó sus experiencias en conmovedoras caricaturas políticas, que se publicaron en The Washington Post, Vogue y Time, entre otros. Larraz perfeccionó su oficio con la guía de su mentor, Burt Silverman, emergiendo como una luminaria en el mundo de la pintura.
El reconocimiento profesional de Larraz floreció con su primera exposición individual en la Pyramid Gallery de Washington, D.C. en 1971, y posteriormente exhibió su trabajo en galerías de Estados Unidos, Europa y América del Sur. Si bien obtuvo renombre principalmente como pintor, la incursión de Larraz en la escultura en la década de 1970 produjo piezas notables que han adornado espacios públicos y galerías de arte por igual.
A lo largo de su carrera, Larraz ha recibido un amplio reconocimiento, con sus obras expuestas en prestigiosas galerías y museos de todo el mundo. Ha recibido numerosos premios y honores, incluido el reconocimiento de la Academia Estadounidense de Artes y Letras y del Instituto Nacional de Artes y Letras de Nueva York, consolidando su estatus como un verdadero maestro del arte contemporáneo.
Ascaso Gallery, abierta de lunes a sábado, 11 am – 5 pm. 1325 NE, 1st Ave. Miami, FL, 33132. Contacto: 305.571.9410 ascasogallery@gmail.com
La mujer en siete obras emblemáticas de tres grandes artistas venezolanos del siglo XIX y XX
Publicación original en el sitio web de El Nuevo Herald.
Por Dennys Matos.
‘ENFANT MALADE (Niño enfermo)’ ,1887, de Michelena, Arturo (1863-1898), óleo sobre lienzo, 74 3/4 x 79 pulgadas.
Es la primera vez que podemos disfrutar en Miami de una exposición absolutamente histórica por diversas razones. Históricos son los artistas, del mismo modo que históricas son las obras, e histórico es el marco en el que fueron producidas. La muestra “Una Visión, una Colección, una Mujer”, curada por Axel Stein, jefe del Departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby’s (2011-2018), contempla siete obras emblemáticas de tres grandes artistas venezolanos del siglo XIX y XX, pertenecientes a una colección privada de Nueva York. Estos son Arturo Michelena (1863-1898), Armando Reverón (1889-1954), y Héctor Poleo (1918-1989).
Los tres artistas son claves para entender el desarrollo histórico y estético de la pintura en Venezuela.
Michelena es considerado el pintor más importante de siglo XIX y esta misma consideración se le otorga a Reverón para el siglo XX, mientras que a Poleo se le tiene como el mayor representante del muralismo realista venezolano. Por si fuera poco, esta muestra tiene también el atributo de histórica porque las dos obras de Michelena pintadas, una en 1886 y la otra en 1887 no han sido vistas hasta hoy por el público. Entre tanto, las dos pinturas de Reverón es la primera vez que se ven en Estados Unidos. Esta muestra tiene como eje central de su discurso a la mujer que, en todas las pinturas,aparece representada de una u otra forma. En diferentes escenarios y épocas, desde distintas actitudes y patrones socioculturales y dentro de un amplio abanico geográfico e histórico.
Esta verdadera pléyade de artistas y obras contempladas en la muestra son el marco de presentación del libro con el mismo título “Una visión, una Colección, una Mujer” (Editorial, El Cardon, 2021, Miami). Un cuidado libro bilingüe españolinglés con ensayos de importantes críticos e investigadores enfocados en la valoración de las obras presentes en esta exposición, pero relacionándola con la historia social y el contexto artístico de su tiempo. Reúne ensayos de Roldán Esteva Grillet (Héctor Poleo, un clásico moderno), Cecilia Fajardo Hill (La mujer en el arte), Luis Pérez Oramas (El arco de las majas), Jorge Rivas Pérez (Comentarios sobre una serie de pinturas de castas de José de Páez, México, 1785), Polly Sartory (París: Centro del arte en el siglo 19) y Axel Stein (Las dos visitas).
‘LA CUEVA’, 1920, de Armando Reverón (1889-1954), óleo sobre lienzo, 39 3/8 x 60 5/8 pulgadas.
Todos los ensayos brindan una particular visión sobre las pinturas de los artistas expandiendo las lecturas de sus obras hacia otros territorios de la historia del arte y, también de la historia social. De forma tal que inspirándose en estas obras de Michelena (Una visita electoral, 1886 y Niño enfermo, 1887), Riverón (La maja criolla 1939, La cueva, 1920) y Poleo (Desnudo (La Carta), 1943, Maternidad 1943, Viudas de la guerra, 1948), se completa una curiosa geografía de las artes visuales con énfasis en tres de los artistas que más han marcado la historia del arte moderno y contemporáneo en Venezuela. El denominador común de estos estos ensayos es que buscan y encuentran relaciones poéticas y discursivas, antecedentes estéticos y formales estableciendo una rica constelación de significaciones, que desbordan y enriquecen las dimensiones espacio temporales, y el contexto histórico en el que fueron creadas cada una de ellas.
“Una Visión, una Colección, una Mujer” es, además de un recorrido sintético por la poética figurativa, un itinerario por los modos de representación de la figura de la mujer en las artes visuales venezolanas de los dos últimos siglos. Porque los tres artistas se inscriben en el lenguaje figurativo, e independientemente de su particularidades temporales y estilísticas, los tres también inciden en la expresión de la libertad (o déficit de ella) y el rol sociocultural del sujeto femenino, vistas según el contexto histórico en que la percepción masculina las ha captado.
Los cuadros de Michelena, por ejemplo, asumen la cotidianeidad como elemento narrativo que inspira a la imagen realista donde, según Stein, “La mujer es el centro alrededor del cual se anima y se entiende la escena”. Pero aquí el lenguaje de la imagen es también naturalista, en la medida en que se adentra hasta lo forense en los detalles, tanto del mundo material, como el de la vida y los cuerpos, expresión de las caras y los gestos.
‘DESNUDO (LA Carta)’, 1943, de Héctor Poleo (1918-1989), óleo sobre lienzo, 27 5/8 x 23 3/4 pulgadas.
En Reverón, en cambio, la figuración de La maja criolla (1939) se trasluce más surreal, los contornos se desdibujan y nos adentra en ambientes de sensualidad como buscando una armonía entre hu manidad y naturaleza. Poleo, por ejemplo, en Viudas de la guerra (1948), responde más a un imaginario de la modernidad, sumida en las convulsiones sentimentales y de afectos que producen su contradictorio programa de progreso sociocultural.
De todos los textos es fascinante el de Axel Stein (Las dos visitas), porque en él se narra en lenguaje coloquial los periplos, las pesquisas que tuvo que hacer para averiguar el paradero, hasta ahora desconocido de Una visita electoral (1886) y Niño enfermo (1887). Frente a estas obras y el libro nos encontra mos con una historia de película cuando, a modo de thriller policíaco, va descubriendo los pasos, las actuaciones necesarias hasta llegar al paradero de estas dos obras. Por ejemplo, Niño enfermo (1887), que asombrará al espectador en la galería por su impecable oficio pictórico, fue la pintura ganadora del Salón Oficial de Artistas Franceses de ese año. Estuvo perdida hasta 2004, mientras que Una visita electoral (1886), enviada al mismo salón estuvo en paradero desconocido hasta 2005. Stein, en su narrativa tiene de perito y, también, de detective, además de historiador en una investigación audaz para encontrar estos cuadros, exhibidos por primera vez al público en Ascaso Gallery, Miami.
‘LA MAJA criolla’, 1939, de Armando Reverón (1889-1954), óleo sobre arpillera (burlap), 52 3/4 x 69 1/4 pulgadas.
Una investigación que arranca en los finales del siglo XIX francés, cuando Michelena vende los cuadros. Se sabe que Niño enfermo está en manos del coleccionista Clicot. Ahora bien, desde ese momento las pistas y los hechos se diversifican. Los caminos se expanden atravesando dimensiones espacio temporales globales, donde aflora además del París de finales del siglo XIX y principios del XX, el Nueva York de la década de 1920, con la familia Astor como propietaria de la pieza. Afloran todas una series de circunstancias y personajes que hacen la historia rocambolesca, dueños de circo y comerciantes, con el trasfondo de medidas tomadas por Estados Unidos durante la II Guerra Mundial para proteger su patrimonio artístico cultural ante los posibles bombardeos de la fuerza aérea (Luftwaffe) de la Alemania Nazi. En un final de infarto, las pistas conducen a la localización del cuadro en el Sur de La Florida, en Sarasota. En una cuenta atrás, el cuadro fue vendido en 1927 por $400. Después de ser (re)descubierto, sale a subasta de Sotheby’s Nueva York en noviembre 16, 2004, por valor de entre $150,000 y $200,000. Finalmente fue vendido por $1,352,000.
Dennys Matos es crítico de arte, curador y editor que vive trabaja entre Miami y Madrid.
“Una visión, una Colección, una Mujer”, Ascaso Gallery, Miami. 1325 NE 1st Ave., Miami, FL 33132. Hasta el 19 de junio.
