Author Archive

La mujer en siete obras emblemáticas
de tres grandes artistas venezolanos del siglo XIX y XX

Publicación original en el sitio web de El Nuevo Herald.

Por Dennys Matos.

 

‘ENFANT MALADE (Niño enfermo)’ ,1887, de Michelena, Arturo (1863­-1898), óleo sobre lienzo, 74 3/4 x 79 pulgadas.

Es la primera vez que podemos disfrutar en Miami de una exposición absolutamente histórica por diversas razones. Históricos son los artistas, del mismo modo que históricas son las obras, e histórico es el marco en el que fueron producidas. La muestra “Una Visión, una Colección, una Mujer”, curada por Axel Stein, jefe del Departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby’s (2011­-2018), contempla siete obras emblemáticas de tres grandes artistas venezolanos del siglo XIX y XX, pertenecientes a una colección privada de Nueva York. Estos son Arturo Michelena (1863­-1898), Armando Reverón (1889-­1954), y Héctor Poleo (1918­-1989).

Los tres artistas son claves para entender el desarrollo histórico y estético de la pintura en Venezuela.

Michelena es considerado el pintor más importante de siglo XIX y esta misma consideración se le otorga a Reverón para el siglo XX, mientras que a Poleo se le tiene como el mayor representante del muralismo realista venezolano. Por si fuera poco, esta muestra tiene también el atributo de histórica porque las dos obras de Michelena pintadas, una en 1886 y la otra en 1887 no han sido vistas hasta hoy por el público. Entre tanto, las dos pinturas de Reverón es la primera vez que se ven en Estados Unidos. Esta muestra tiene como eje central de su discurso a la mujer que, en todas las pinturas,aparece representada de una u otra forma. En diferentes escenarios y épocas, desde distintas actitudes y patrones socioculturales y dentro de un amplio abanico geográfico e histórico.

Esta verdadera pléyade de artistas y obras contempladas en la muestra son el marco de presentación del libro con el mismo título “Una visión, una Colección, una Mujer” (Editorial, El Cardon, 2021, Miami). Un cuidado libro bilingüe español­inglés con ensayos de importantes críticos e investigadores enfocados en la valoración de las obras presentes en esta exposición, pero relacionándola con la historia social y el contexto artístico de su tiempo. Reúne ensayos de Roldán Esteva Grillet (Héctor Poleo, un clásico moderno), Cecilia Fajardo Hill (La mujer en el arte), Luis Pérez Oramas (El arco de las majas), Jorge Rivas Pérez (Comentarios sobre una serie de pinturas de castas de José de Páez, México, 1785), Polly Sartory (París: Centro del arte en el siglo 19) y Axel Stein (Las dos visitas).

‘LA CUEVA’, 1920, de Armando Reverón (1889­1954), óleo sobre lienzo, 39 3/8 x 60 5/8 pulgadas.
‘LA CUEVA’, 1920, de Armando Reverón (1889­-1954), óleo sobre lienzo, 39 3/8 x 60 5/8 pulgadas.
 

Todos los ensayos brindan una particular visión sobre las pinturas de los artistas expandiendo las lecturas de sus obras hacia otros territorios de la historia del arte y, también de la historia social. De forma tal que inspirándose en estas obras de Michelena (Una visita electoral, 1886 y Niño enfermo, 1887), Riverón (La maja criolla 1939, La cueva, 1920) y Poleo (Desnudo (La Carta), 1943, Maternidad 1943, Viudas de la guerra, 1948), se completa una curiosa geografía de las artes visuales con énfasis en tres de los artistas que más han marcado la historia del arte moderno y contemporáneo en Venezuela. El denominador común de estos estos ensayos es que buscan ­y encuentran relaciones poéticas y discursivas, antecedentes estéticos y for­males estableciendo una rica constelación de significaciones, que desbordan y enriquecen las dimensiones espacio temporales, y el contexto histórico en el que fueron creadas cada una de ellas.

“Una Visión, una Colección, una Mujer” es, además de un recorrido sintético por la poética figurativa, un itinerario por los modos de representación de la figura de la mujer en las artes visuales venezolanas de los dos últimos siglos. Porque los tres artistas se inscriben en el lenguaje figurativo, e independientemente de su particularidades temporales y estilísticas, los tres también inciden en la expresión de la libertad (o déficit de ella) y el rol sociocultural del sujeto femenino, vistas según el contexto histórico en que la percepción masculina las ha captado.

Los cuadros de Michelena, por ejemplo, asumen la cotidianeidad como elemento narrativo que inspira a la imagen realista donde, según Stein, “La mujer es el centro alrededor del cual se anima y se entiende la escena”. Pero aquí el lenguaje de la imagen es también naturalista, en la medida en que se adentra hasta lo forense en los detalles, tanto del mundo material, como el de la vida y los cuerpos, expresión de las caras y los gestos.

‘DESNUDO (LA Carta)’, 1943, de Héctor Poleo (1918­1989), óleo sobre lienzo, 27 5/8 x 23 3/4 pulgadas.
‘DESNUDO (LA Carta)’, 1943, de Héctor Poleo (1918-­1989), óleo sobre lienzo, 27 5/8 x 23 3/4 pulgadas.

En Reverón, en cambio, la figuración de La maja criolla (1939) se trasluce más surreal, los contornos se desdibujan y nos adentra en ambientes de sensualidad como buscando una armonía entre hu­ manidad y naturaleza. Poleo, por ejemplo, en Viudas de la guerra (1948), responde más a un imaginario de la modernidad, sumida en las convulsiones sentimentales y de afectos que producen su contradictorio programa de progreso sociocultural.

De todos los textos es fascinante el de Axel Stein (Las dos visitas), porque en él se narra en lenguaje coloquial los periplos, las pesquisas que tuvo que hacer para averiguar el paradero, hasta ahora desconocido de Una visita electoral (1886) y Niño enfermo (1887). Frente a estas obras y el libro nos encontra­ mos con una historia de película cuando, a modo de thriller policíaco, va descubriendo los pasos, las actuaciones necesarias hasta llegar al paradero de estas dos obras. Por ejemplo, Niño enfermo (1887), que asombrará al espectador en la galería por su impecable oficio pictórico, fue la pintura ganadora del Salón Oficial de Artistas Franceses de ese año. Estuvo perdida hasta 2004, mientras que Una visita electoral (1886), enviada al mismo salón estuvo en paradero desconocido hasta 2005. Stein, en su narrativa tiene de perito y, también, de detective, además de historiador en una investigación audaz para encontrar estos cuadros, exhibidos por primera vez al público en Ascaso Gallery, Miami.

‘LA MAJA criolla’, 1939, de Armando Reverón (1889­1954), óleo sobre arpillera (burlap), 52 3/4 x 69 1/4 pulgadas.
‘LA MAJA criolla’, 1939, de Armando Reverón (1889­-1954), óleo sobre arpillera (burlap), 52 3/4 x 69 1/4 pulgadas.

Una investigación que arranca en los finales del siglo XIX francés, cuando Michelena vende los cuadros. Se sabe que Niño enfermo está en manos del coleccionista Clicot. Ahora bien, desde ese momento las pistas y los hechos se diversifican. Los caminos se expanden atravesando dimensiones espacio temporales globales, donde aflora además del París de finales del siglo XIX y principios del XX, el Nueva York de la década de 1920, con la familia Astor como propietaria de la pieza. Afloran todas una series de circunstancias y personajes que hacen la historia rocambolesca, dueños de circo y comerciantes, con el trasfondo de medidas tomadas por Estados Unidos durante la II Guerra Mundial para proteger su patrimonio artístico cultural ante los posibles bombardeos de la fuerza aérea (Luftwaffe) de la Alemania Nazi. En un final de infarto, las pistas conducen a la localización del cuadro en el Sur de La Florida, en Sarasota. En una cuenta atrás, el cuadro fue vendido en 1927 por $400. Después de ser (re)descubierto, sale a subasta de Sotheby’s Nueva York en noviembre 16, 2004, por valor de entre $150,000 y $200,000. Finalmente fue vendido por $1,352,000.

Dennys Matos es crítico de arte, curador y editor que vive trabaja entre Miami y Madrid.

“Una visión, una Colección, una Mujer”, Ascaso Gallery, Miami. 1325 NE 1st Ave., Miami, FL 33132. Hasta el 19 de junio.

Original post on STIRpad website | Published on : Mar 23, 2022.

Ascaso Gallery’s latest exhibition features exploration of the artists’ ‘inner child’

The exhibition ‘Cute Tunes for Serious Sapiens’ features the works of four artists connected to each other through the themes of Japanese anime and manga.


‘Cute Tunes for Serious Sapiens’, currently on display at the Miami based Ascaso Gallery, features the works of four artists, namely Javier Martin, Masako Miki, Noritoshi Mitsuuchi and Takeru Amano. Themed on the exploration of their ‘inner child’, the exhibits at the gallery transcend the boundaries denominated to design and creation. “The strength of this show is precisely that—the way it taps into childhood memories of unfettered creativity,” says Barbara Pollack, curator of the exhibition.

Noritoshi Mitsuuchi. In the Sky, 2021. Acrylic on canvas. 91 x 72.7 cm | 35.8 x 28.6 in.

Takeru Amano. Dog, 2022. 200 x 150 cm | 78.7 x 59 in.

All the showcases at the gallery are attempts at escaping the confines that are defined by art education and the hierarchies laid down in the history of art. But instead of completely divorcing themselves from the conventional space, the art installations serve as a bridge, or rather, a fusion of popular and niche, eccentric and accessible. The pieces displayed in the exhibition appear to stand in thematic conjunction to each other, owing to the similar references and inspirations that have influenced their creation. All four artists have produced work that is heavily influenced by the anime and mangas birthed in Japan. While drawing from this common theme accredits their work some semblance of similarity, it is their own interpretation and response to the theme that sets apart each piece showcased in the spaces of the American gallery.

Masako Miki. Abumi-guchi Stirrup (Stirrup mouth furry ghost), 2021. Wool on EPS foam, walnut wood. 36 x 42 x 28 in.

Takeru Amano, a Japanese artist, blends pop culture and classicism using Takashi Murakami’s definitive Superflat style to depict women from western art history, while Noritoshi Mitsuuchi’s works resemble children’s drawings. His creations feature a blend of pop and classic, which induces nostalgia. Masako Miki, on the other hand, creates 3-D objects that employ the folklore creatures of Shintoism that ascribe to the acceptance of non-binary and transitory beings in today’s day and age. Multidisciplinary Spanish artist, Javier Martin, also explores similar themes with his ‘Blindness’ portraits that combine paint, printmaking and neon. The flashy aesthetic of his pieces are metaphors of the delusion that infests mass culture.

The exhibition comprises a combination of paintings and 3-D installations

Installation view of the exhibition

Together, the installations of the four artists fill the spaces of the gallery with a potpourri of colours that, at first glance, serve as reminders of kindergarten classrooms and playgrounds. However, on closer inspection, the deeper symbolism and inspirations behind the pieces can clearly be seen. They bring to notice the narcissism that plagues society, while also highlighting how individuality and idiosyncrasy is shrinking from artistic spaces. In doing so, they stand tall with their originality and eccentricity against a contemporary world.

The exhibition ‘Cute Tunes for Serious Sapiens’ will remain on display from February 24, 2022 to April 28, 2022 at the Ascaso Gallery in Miami, Florida, USA.

Esculturas del venezolano Francisco Narváez

Publicación original en el sitio web de El Nuevo Herald.

Por Dennys Matos.

Ascaso Gallery, Miami presenta la muestra más importante realizada hasta la fecha en Estados Unidos sobre Francisco Narváez. RAFAEL GUILLEN/ASCASO GALLERY MIAMI
Ascaso Gallery, Miami presenta la muestra más importante realizada hasta la fecha en Estados Unidos sobre Francisco Narváez. RAFAEL GUILLEN/ASCASO GALLERY MIAMI

Todo parecía indicar que Miami Art Week, 2021 iba a ser tan lánguida y fantasmal como lo había sido la anterior. Y es que la pandemia no ha dado tregua, el virus se las ha ingeniado para, entre vacuna y vacuna, mutar y seguir haciendo pasto dentro del cuerpo humano global. Sin embargo, esa estela de inanición artística se rompió cuando, desde finales de septiembre 2021, los ciudadanos de la Comunidad Europea y Reino Unido, pudieron viajar a Estados Unidos sin las restricciones impuestas desde hacía ya casi dos años. Ello oxigenó el flujo de coleccionistas, galeristas, curadores, críticos, marchantes e inversionistas en arte que, dadas estas restricciones fronterizas por el COVID-19, ya habían descartado su presencia en Miami Art Week, 2021. Por lo que hemos tenido inesperadamente, gracias a ese golpe de suerte y, también, a las ansias psicológicas de sociabilizar, un escenario pletórico de actividad artística y, además, abundante concurrencia de público.

Escultura de Francisco Narváez en Ascaso Gallery, Miami. RAFAEL GUILLEN/Ascaso Gallery, Miami
Escultura de Francisco Narváez en Ascaso Gallery, Miami. RAFAEL GUILLEN/Ascaso Gallery, Miami

Una de las muestra más llamativa de esa semana fue la retrospectiva Narváez. El escultor, en Ascaso Gallery, Miami, figura clave para entender la evolución de la escultura venezolana y latinoamericana posterior a la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, curada por María Edilia González de Salas, directora de la Fundación Francisco Narváez, contempla más de 150 obras entre escultura, dibujo, pintura y estuco. Cubriendo más de 6 décadas de la trayectoria artística de Francisco Narváez (Venezuela, 1905-1982), que arranca en los años 1920 finales, repasando cada una de las décadas, hasta los años 1980 .

Obras de Francisco Narváez en la sala de exhibición de Ascaso Gallery, Miami. RAFAEL GUILLEN/Cortesía Ascaso Gallery Miami
Obras de Francisco Narváez en la sala de exhibición de Ascaso Gallery, Miami. RAFAEL GUILLEN/Cortesía Ascaso Gallery Miami

Cuando entramos a la sala, el espectador tiene la sensación de estar en un museo de arqueología, o en una especie de gabinete etnológico, colocado frente a un apoteósico viaje por el mundo de la imagen artística moderna y contemporánea latinoamericana de los últimos setenta años del siglo XX. Es una percepción marcada por el modo en que se ha diseñado el montaje de la muestra, realizado por Alejandro Stein en formas de islas esparcidas por el amplio espacio de la galería. “Islas” que rompen y, a la vez, ensanchan las perspectivas espacios temporales con las que normalmente se ha interpretado la obra de Narváez. Ya que, además de conectar estrechamente diferentes formas artísticas (pintura, escultura, estuco, etc.), relaciona también épocas y períodos distintos.

Exhibición de Francisco Narváez en Ascaso Gallery, Miami. RAFAEL GUILLEN/Cortesía Ascaso Gallery Miami
Exhibición de Francisco Narváez en Ascaso Gallery, Miami. RAFAEL GUILLEN/Cortesía Ascaso Gallery Miami

Es así como se pueden ver concomitantes, unas a lado de otras, pinturas de poética figurativa producidas en la década de 1930 como, por ejemplo Bahía Pampatar (1930), con esculturas de visualidad abstractas correspondientes a los años 1950. Del mismo modo que en otras de estas “islas” cohabitan un estuco (yeso, fibra de agave y cuerda) y Vendedoras de pescado (1962), donde el artista continua explorando el lenguaje de la (neo) figuración, compartiendo espacio con un grupo escultórico de los años 1950, en clave de arte abstracto informalista instaladas a la lado de otra, como por ejemploVolumen (1974) en clave abstracta geométrica.

‘Mujeres en la playa (ESTC-032)’, 1962, estuco, cartón, piedra, yeso, poncho y soga, 28.5 x 43.8 pulgadas. Cortesía/Ascaso Gallery, Miami
‘Mujeres en la playa (ESTC-032)’, 1962, estuco, cartón, piedra, yeso, poncho y soga, 28.5 x 43.8 pulgadas. Cortesía/Ascaso Gallery, Miami

El recorrido por estas “islas” sumerge al espectador en una constelación en la que se dan cita dos imaginarios. Por un lado, aquel expresado en un lenguaje narrativo realista, con sintaxis poética figurativa. Por otro, un lenguaje más simbólico, que discurre entre los cauces de la abstracción informalista y la abstracción geométrica. Lo narrativo realista marca a esas obra producidas, sobre todo en pintura, desde finales de los años 1920 hasta las década de 1960 aproximadamente. Mientras que la de expresión más simbólica arranca, con énfasis en la escultura, a principio de los años 1950 y se va acentuando hasta los inicios de la década de 1980.

‘Volumen (BVPC-101)’, 1974, bronce (1998), edición de 8 más 4 pruebas de artista, 20.4 x 48 x 17.3 pulgadas. Cortesía/ Ascaso Gallery Miami
‘Volumen (BVPC-101)’, 1974, bronce (1998), edición de 8 más 4 pruebas de artista, 20.4 x 48 x 17.3 pulgadas. Cortesía/ Ascaso Gallery Miami

Estos dos imaginarios de Narváez parecen responder a dos enfoques sobre el proyecto de modernidad venezolano y, por extensión, latinoamericano. Uno que discurre en las primeras 4 décadas del siglo XX donde, a través de la representación figurativa, imagina el carácter de lo autóctono nacional con paisajes rurales y escenas de la vida cotidiana (Mujeres en la playa, Vendedoras de pescado, La escuela, Eva o Escena de recolección), deslizando elementos etno raciales y socioculturales del país.

'Bahía Pampatar (OL-484)', 1930, óleo sobre lienzo, 26.7 x 28.1 pulgadas. Cortesía/Ascaso Gallery
'Bahía Pampatar (OL-484)', 1930, óleo sobre lienzo, 26.7 x 28.1 pulgadas. Cortesía/Ascaso Gallery

El otro, referido a la segunda mitad del siglo, en el que por medio de la interpretación en clave de lenguaje más abstracto (Paisaje urbano, la serie Volumen, entre otras), reflexiona sobre la explosión urbanística de la ciudades bajo el impacto de economía capitalista. Pero también apunta a la nueva relación entre el ciudadano y el estado. Colocando a la libertad individual y expresión una subjetividad irreprimible, como elemento constitutivo del desarrollo presente y futuro del proyecto de modernidad.

Dennys Matos es crítico de arte y curador que vive y trabaja en Miami y Madrid.

Color Libre

More than 125 film productions, including films, documentaries and short films of all genres, make up the program of the Miami Film Festival. This seventh art party, which Miami Dade College organizes every year, will be held until March 15 in various cinemas in the city, including Silverspot Cinema and the Tower Theater. Actors, directors, and personalities from the entertainment world gathered on the opening night of the Miami Film Festival.

The festival opened this Friday an edition marked by the incorporation of many more "local cinematographic stories" to its formula of abundant films, sections, awards and guests with a strong Latin American accent. The importance that films that tell stories from South Florida are taking, not only made by local directors but also from other parts of the United States or foreign forms a section dedicated exclusively to this subject, for the third consecutive year.

C. CRUZ DIEZ Color Additivo 17
C. CRUZ DIEZ Color Additivo 17

Among the documentaries in this category "Color Libre" (Free Color), offers an endearing portrait about Venezuelan plastic artist Carlos Cruz-Diez. What is “color”? In what part of our memory does it live? Is color the innate property of an object or is it a reaction that occurs in our brain when we look at it?

These are the questions that accompanied Carlos Cruz-Diez, one of the most important Latin American artists of all time, until his last days. Obsessed with the color free of space and time, Cruz-Diez explores the possibilities of the impossible: strip the color out of the form.

In "Color Libre", Alberto Arvelo closely follows the Master of Color", a tireless researcher of kinetic and optical phenomena that today are part of the plastic identity of Venezuela.

xCarlos Cruz Diez.jpg.pagespeed.ic .DkgGdLGNSr

The director also portrays the artist's arrival in Paris in the 60s', where he is soon welcomed as one of the most influential color thinkers of the 20th century for his contributions in chromatic experiences, conceived as a reality independent of time and space, in a continuous present. Present styling with a wonderfully united family that communes in art.

Cruz-Diez's work on color theory is a legacy that art history will come to understand, but the materialization of this theory is scattered throughout the streets, parks, and theaters of Asia, Europe, and Latin America and revives in the galleries and most prestigious museums on the planet.

It is impressive and moving to see a man who, after ninety years of age, still lived with the desire to realize his dream and thus close his artistic discourse: create a spectacle of color, a kind of cloud of chroma saturation that floated on the Seine river waters without support, without form.

Although Cruz-Diez has dedicated his life to experimenting with colors that mock the shapes, what he really wanted to do was to free them completely and deploy them in the air through magnetic fields. To crystallize and celebrate what would be the perfect fusion between art and science.

With great production crew, "Color Libre" will mark the spirits of all those we admire, from far or near, the genius, perseverance, good humor, generosity and deep humility that characterized Carlos Cruz-Diez.

Five pictorial avant-gardes and their references in Latin America

Latin American art of the 20s and 30s of the 20th century will undergo a profound avant-garde renovation. From the first productions at the beginning of the century, to the most contemporary of recent decades, artists are inspired by the formal and aesthetic changes introduced by European trends.

Similarly, Latin American artists will reread their social and political realities and from here they will project a work vindicating a national culture. Sometime later, a break with the Eurocentrist academicism is sought, while the construction of a cultural identity begins. Here are some of the most representative avant-garde:

Cubism

Between the decade of the '20s and' 30s, Latin American artists travel to Europe and make contact with the avant-garde movements. They actively participate in circuits of exhibitions and debates in cities such as Paris, Madrid, Barcelona, ​​Berlin, Florence, and Milan.

His works and manifestos insist on the autonomy of art and move away from painting and sculpture as modes of representation of reality. During the 20s, many of them return to their countries of origin and as protagonists of the national scenes, lead the different battles between the traditional and the "new."

The Neocriollo of Xul Solar (Buenos Aires), the Anthropogy of Tarsila do Amaral (San Pablo), as well as the Vibracionismo and the constructive Universalism of Rafael Barradas and Joaquín Torres-García (Montevideo), are only key examples of those avant-gardes of Latin American regional currencies.

Source malba.com .ar
The Neocriollo of Xul Solar / Source: malba.com .ar

Muralism

With the triumph of the Russian revolution and the expansion of the principles of social justice, the art / political axis is affirmed as a field of action, regionally and internationally. From the Mexican muralism of Diego Rivera, José Clemente Orozco and David Alfaro Siqueiros to the paintings of Antonio Berni (Argentina) and Candido Portinari (Brazil), painters discuss and propose different ways of relating between artistic manifestations and their social contexts.

Walls are painted with contemporary scenarios, in which images of rural and urban workers appear, in monumental pictorial formats, like the characters of a protest march social or in celebrations of popular tradition. In the visits to the pre-Columbian ruins such as the Temple of the Jaguars in Chichen-Itza, the muralists become aware that America had its own muralism and techniques, having a lot of evidence about the walls of the cities before the Conquest were covered in murals.

Diego Rivera
Diego Rivera / Source: geoenciclopedia.com

Surrealism

This literary and plastic movement explored the field of dreams, psychological traumas and sought to evade conscious activity through practices such as free association and psychic automatism and the use of factors such as chance and randomness. To stimulate the emergence of the unconscious, he uses techniques that summon unusual effects and uncontrollable processes such as photomontage, collage, frottage, decoupage or scarfing.

Antonio Berni and, Maria Martins and Cicero Dias, Roberto Matta, Frida Kahlo, Remedios Vario, Agustín Lazo and Wifredo Lam show in their works the diversity of those theses and a meeting place of popular traditions with repertoires of cult art circulating in the Americas.

blog avis
Las dos Fridas / Frida Kahlo / Source: blogavis.com

Op-Art

In the mid-40s, Buenos Aires became one of the most active centers of concrete art and its variations. Gyula Kosice and Enio Lommi, Rhod Rothfuss and Carmelo Arden Quin bring new ways of reflection and production to the global debate of concretism. With the material elements of visual language, their works replace the traditional octagonal frame with irregular and cut out contours; investigate the function of color layers and the system of series structures; they invent articulated and transformable “sculptures”, and make object-paintings mounted on the walls and mobiles hanging in space.

In the 50s, Alejandro Otero paints his series of white abstractions with chromatic lines in Caracas, and Brazilians Hélio Oiticica and Lygia Clark convert color and light into bodies that materialize before the viewer. In the same decade and the next, Julio Le Parc and Abraham Palatnik build artifacts that investigate the physical and perceptual experience of the gaze, adding the concept of real or illusory movement and the active participation of the viewer, both innovations of optical and kinetic art.

AlejandroOtero Portada Coloritmos esferacultural 1
Alejandro Otero/ Source: esferacultural.com

Conceptual art

The last two decades of the century had dismantled the idea of ​​the work of art as a material presence and as merchandise. Industrial materials, scientific models, reflections of areas such as psychoanalysis, linguistics, cultural studies and communication codes imposed by the mass media, all traverse the world of visual arts. The works of Antonio Seguí, León Ferrari, Liliana Porter, Víctor Grippo, Waltercio Caldas, and Gego, are some of those cases. Since the early '80s, the return to painting as an international trend impacts the artistic scene.

The Italian Transvanguardia, Bad Painting in the United States, the Neofiguration in Latin countries and the New Image in Argentina, put into circulation large fabrics covered with faces and pictorial images that combine codes of cinema, theater, literature, art music, dance, urban graffiti, and gender studies. This "resurrection" of the painting finds two key actors in the Argentine Guillermo Kuitca and the Cuban José Bedia.

Distinguishing art tourism from cultural tourism

Automatically, a large cultural tourism destination is usually associated with a museum. Paris and the Louvre, London and the National Gallery, New York, and the MET. Without going any further, the latest data recorded by the Prado Museum indicate that 60.96% of visits are foreign. The Zeitz Museum of Contemporary Art of Africa (Zeitz MOCAA), promotes the same effect.

Art tourism as a new field of tourism studies is currently obscured under cultural tourism’s voluminous bounds – which are as inappropriate as they are unwieldy and overloaded.

However, properly separated, elaborated and developed forms of tourism must be identified. For many, cultural tourism is a market where the orientation of tourists prevails to learn or experience first hand the cultural specificity of any given destination.

While this is true for many activities often included in cultural tourism, it is certainly not the case for visitors to art museums. That is why art tourism arises to separate cultural attractions, and more specifically museums, according to the theme and the experiences offered.

There are those who come to Miami for its beaches and walks, but also who goes for that southern cuisine that has so many versions in this city. But especially in recent years, Miami has become the playground of artists, collectors, critics, gallery owners and occasional buyers who make all their fantasies come true in the form of canvas, steel, digital installation or spray.

With dozens of museums and private collections and fairs and galleries in all neighborhoods, the city has become an influential place in the world calendar of art. In the last fifteen years, the arrival of Art Basel was decisive, since it transformed Miami into a cultural destination where the world's great architects have already raised global symbols.

ascasog1
Miami
ascasog
Ascaso Gallery

Among the veteran venues, the Rubell Family Collection, one of the largest private collections of contemporary art in the world, which holds works by international artists known to all as Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons or Keith Haring.

Located in the Wynwood Arts District, the Ascaso Gallery has led to represent Latin American teachers such as Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Luis Tomasello, Victor Vasarely, Victor Valera, Dario Pérez Flores, Oswaldo Vigas, Julio Larraz, Fernando Botero , among others.

The Ascaso collection also includes memorable figures such as Jim Dine, Jeff Koons, Alexander Calder, Henry Moore, Salvador Dalí, Manolo Valdés, Tom Otterness, Roberto Matta, and Wilfredo Lam.

While it is true that art is very extensive and today can fall into the dilemma between being a transformative element of societies or a new category of consumption, tourism has been seized for benefits not only economic but also social and conservation of the heritage, creating “unique” experiences through tourism products that in many cases are made up of works of art taken as cultural resources.

From museums, art galleries, cultural events, to craft markets and urban art in the avenues. All these used to generate an image of a particular destination. Whether through new museums, emerging neighborhoods or art fairs, Miami has managed to position itself among the most important art cities in the world. And all this without giving up its authenticity and its roots, making mixing and convergence its main cement.

In recent years consecrated artists arrived in Wynwood, who not only dominate the technique, but also the business, such as the Venezuelan Cruz Diez, master of kinetic art. And the Brazilian Romero Brito, controversial and controversial, but with shops, galleries and public works of art throughout the city.